Festival de Cannes-Sección oficial: fuera de concurso
WILLOW (1988)
JAMES HORNER
Exuberante composición. Partitura de un James Horner pletórico, repleto de Arte por donde quieras mirar su trabajo y que no hace sino crecer su figura tras el fatídico accidente de avión que le costó la vida.
Los primeros diez minutos son devastadores. Bastaría con ellos para dejar claras las intenciones del artista y la calidad y su dominio de una aventura ya convertida en clásico de aventuras de culto. El manejo de la narrativa es excepcional pero, no obstante, el tema principal es de tal belleza y se ejecuta de tal manera y en instantes estudiadísimos que absorbe todo cuanto alrededor de él funciona. Un servidor, hace ya muchos, muchos años...fue cautivado por esta melodía y, afortunadamente, con ella se inicio un periplo de interés por la música de cine que jamás será borrado por cualquier otra melodía. Espectacular.
La partitura, bajo una clara influencia del clasicismo musical, consigue hacer olvidar este aspecto y logra un nivel de narración de las secuencias, las cuales presentan un dinamismo intensísimo, muy alto combinando con habilidad unos temas con otros y presentando con agilidad una propuesta magistral, cauta hasta llegar al final, con fuerza pero sin desmedida presencia, algo que Horner siempre conseguía. El espectacular tema principal, tierno y evocador, al lado del tema clásico de acción y todo entrelazado como una estructura única consiguen posicionar al compositor como lo que fue, una promesa mayúscula de la música de cine en aquella época que conseguiría composiciones, además de ésta, de una maravillosa e inaudita calidad.
Con uno de los temas principales que más se disfruta en un filme cada vez que aparece, 'Willow' es una obra de un nivel incuestionable, recomendable para cualquier estudioso y, sin duda, ideal para todos los principiantes.
Para terminar, un pequeño detalle, curiosidad que se destapa como inteligencia musical de un genio indudable cuando estudias su intención: la parte final, maravillosamente compuesta y aplicada a la acción (eran los primeros tiempos de Horner), resulta de un minutaje largo, trepidante y durante él en ningún momento suena el tema romántico (asociado a la niña, al esfuerzo, a la lucha, al coraje, al idealismo...). Las trepidantes notas parecieran habérselo 'comido' literalmente. Tras todo este fragmento, Horner literalmente nos inyecta la muerte por placer cuando lo vuelve a insertar en el abrazo de Willow con su esposa. Asombroso, de esas escenas que no aparentan gran cosa pero que, sin duda, la sencilla genialidad de un mago del cine consigue mutar la normalidad hacia la belleza. Inigualable.
Historia de la música de cine. Compositor injustamente atacado por sus autoplagios y uno de los más inteligentes músicos a la hora de narrar la historia y hacerla música. Porque James Horner ejecutaba su partitura atrayendo como nadie lo que en pantalla ocurría hasta su íntima concepción. Un artista que logró de los intimismos más absolutos y una de las bandas sonoras referencia en la historia, que le marcó y que siempre esperamos, sus grandes seguidores, siguiera las formas conseguidas en esa obra de arte majestuosa que es:
1.LEYENDAS
DE PASIÓN (Leyends of the fall) (1994)
2.CASA
DE ARENA Y NIEBLA (House of sand and fog) (2003)
3.BRAVEHEART (1995)
4.ALIENS (1986)
5.APOLLO
13 (1995)
6.CAMPO DE SUEÑOS (Field of dreams) (1989)
7.EL
HOMBRE SIN ROSTRO (The man without a fece) (1993)
8.TITANIC (1997)
9.KRULL (1983)
10.EN HONOR A LA VERDAD (Courage under fire) (1996)
RESULTA
COMPLICADO LLEVAR A CABO UN ESTUDIO CUANDO LAS DOS PARTES DEL MISMO CHOCAN TAN
FRONTALMENTE. Es el caso de ‘’El nuevo mundo’’, una película notable con una
estructura musical pobre. Y en este caso, indudablemente, no nacida de la
partitura o sus compositores sino del mismo director, hecho que agudiza todavía
más el pequeño desastre que se avecina.
Terrence
Mallick opta por fracturar drásticamente la unidad que James Horner compuso
para toda la obra. Si escuchamos la edición en cd del compositor recientemente
fallecido descubriremos que, al margen de consideraciones compositivas y
melódicas, su unidad es indudable y ciertamente sobresaliente, aspecto en el
que Horner siempre fue un maestro. Su aplicación completa al filme le habría
dado a éste une empaque y personalidad musical completísimos. No fue así: el
director cortó gran parte del trabajo y usó la partitura en la parte central de
la historia. Es muy fácil de entender; cuando Horner ‘’musica’’ la segunda
historia de amor de la nativa, el tema principal de su música aparece repentino
y drástico (cuando realmente él lo asoció a la primera), sin ninguna mención
anterior durante la obra y, evidentemente, rompiendo la atención y equilibrio de
la aventura. ¿Por qué, si el personaje masculino es nuevo y la historia de amor
también?, podría pensar alguien. La respuesta, igualmente obvia: no puedes
identificar este segundo amor empleando música que refleje la aparición del
hombre, figura nueva y novedosa y carente de cualquier trascendencia, ya que
dejas literalmente fuera la de Rebeca, personaje trascendental en la aventura y
que habría necesitado de referencias abstractas durante toda la película que,
al vivir su siguiente y repentina historia de amor, quedaran enlazadas con
cierta lógica y unidad. No es así. Todo esto queda presionado hacia lo negativo
con los otros dos ámbitos de la música que el director emplea (y repetimos,
dispone de manera sorprendentemente negativa): el ‘’Concierto para piano nº
23’’, de Mozart, queda reservado para los encuentros y pensamientos emanados de
la relación primera entre la nativa y John Smith (insistimos, Horner preparó
para ésta el tema que Mallick copió y pegó para la segunda), pero increíblemente
desaparece mucho antes de lo que el soldado lo hará para retomar sus notas en
un solitario regreso al final de la historia, sin demasiado equilibrio. Igual
sucede con el tema, aparentemente principal del filme (pero que, tras un inicio
esplendoroso fusionándose admirablemente con los sonidos y elementos naturales,
ya no volverá a ser empleado hasta el final), ‘’Vorspiel’’ (‘’El oro del Rin’’,
de Richard Wagner), que pretende abrir y cerrar la obra, originando un abanico
de unión, pero que simplemente pega, como si de papel cello se tratara, las
desequilibradas piezas que Mallick ha ido colocando durante todo el argumento,
pretendiendo unas cosas cuando fueron creadas para otras.
Hay
en ‘’El nuevo mundo’’ detalles, no obstante lo dicho, interesantes y sí
estudiados e interrelacionados, como debería haber sido el conjunto. Las
atmósferas de sintetizadores que nacen al tiempo que lo vuelve a hacer John
Smith, tras ser perdonada su vida por los indígenas (y que en la partitura original
completa sí tendrían un origen más estudiado) igualmente brotan de la partitura
de Horner cuando el grupo de colonos, envueltos en la enfermedad y desgracia,
son ayudados por la chica indígena como volviendo, igualmente, también a la
vida. Una mayor exposición de todos estos matices habría ofrecido a la obra una
cohesión fuerte y, finalmente, sólida.
En
resumen, resultado final que parece interesante si uno no se adentra en el
estudio detallado y atento de las idas y venidas de la música que finalmente el
director empleó. Haciéndolo, las incoherencias aparecen una tras otra (siempre
por responsabilidad de Terrence Mallick) dejando bastante ‘’tocada’’ una
película que pudo ser, si su partitura hubiese crecido en lugar de sufrido,
mucho mejor.
Póstuma conclusión, dignísima, a la carrera de un genio de la música del séptimo arte. Partitura sencilla, emotiva, descriptiva y calmada. James Horner acude a su lado más tierno, mantiene una atmósfera pausada durante gran parte del filme y explota hacia una emoción contenida y hermosa en momentos puntuales.
La composición para ''The 33'' queda principalmente marcada por la música original de corte tradicional sudamericana, como lo fue la aventura real a la que se refiere el filme. Horner acude a obras pasadas, en absoluto copiadas, y otorga a su presente creación un aire adornado por la inconfundible shakuachi y atmósferas electrónicas propias del artista. Todo ello, rápidamente, queda completado por los instrumentos más folclóricos y una orquestación sencilla, en absoluto sinfónica, y unas melodías y estructura formal final y global de lo más interesante y original del fallecido compositor en sus últimos tiempos. Una expresividad única, la muestra de eficacia como pocos músicos en pantalla y la fe en un proyecto musical a largo plazo que ha hecho del creador de la eterna ''Leyends of the fall'' o de la incomprendida y maestra ''Casa de arena y niebla'' un icono para los amantes de la música de cine que ya, sin duda ninguna, forma parte de los grandes compositores de la historia.
ESCÚCHALA SI...: siempre has creído en James Horner y quieres oir un final de calidad a su carrera.
NO LA ESCUCHES SI...: pretendes tirar por tierra todo lo que hizo el autor.
Cualquier
aficionado al cine, antes de comenzar esta aventura, tiene frente así la
posibilidad de prestar aguda atención a lo que es el ejemplo indiscutible de
narración musical. James Horner despliega en la partitura de ‘’Enemigo a las
puertas’’ unos quince primeros minutos, continuados y sin pausa, tan exquisitos
como ricos en detalles, recursos y dominio de tiempoy situación. Desde la sincronización
temporal, fijada en explosiones o acciones (como el intento del protagonista
por coger un fusil), hasta el empleo de instrumentos y voces asociadas,
fundamentalmente, a la desgracia como concepto, el artista tiene toda la
confianza del director que, astutamente, deposita en él un elemento crucial
para el atrevido inicio que ha compuesto. Magnífico trabajo de un Horner
narrativamente pletórico.
Jean-Jacques
Annaud, director francés con el que nuestro artista colaboró para dar vida
(entre otras) a la excelente partitura de ‘’El nombre de la rosa’’, nos
presenta ahora esta producción bélica de gran presupuesto, cuidada y de visión
dramática intensa. Ambos nos han inyectado vertiginosamente la historia desde
el primer segundo; ahora, a continuación, silencio. A los pocos minutos, un
detalle que al amante de la música de cine enfervoriza absolutamente: Vasili
Záitsev (ya adulto, en mitad de la contienda) apunta a un alemán, tal cual hizo
de niño, al inicio de la película, con un lobo. La secuencia es ‘’la misma’’ y
la música, cómo no, también. Es un detalle con el que el músico nos devuelve al
inicio de la historia, cuando el sentimentalismo conseguido por la dupla
director-compositor fue elevadísimo. Algo nos quieren decir: la guerra existe,
mas la historia personal del joven, también. A continuación, la narración que
el compositor hace de los cinco disparos (coincidiendo explosión, disparo y
partitura) es sencilla, directa y ejemplar. La cantidad de detalles
músico-narrativos que contiene este primer cuarto, como vemos, es asombrosa y
una invitación casi lasciva para estudiar el filme desde la música.
La
parte central de la aventura transcurre con una calidad notable y el compositor
se acomoda en un apoyo sutil que rodea de tensión la lucha, cuerpo a cuerpo,
entre Vasili y el mayor König, un francotirador alemán enviado para acabar con
la vida del joven. Horner abandona los coros iniciales (la muchedumbre civil ya
no es la protagonista) y la orquestación grandilocuente (las batallas masivas
han terminado). No podría ser de otra forma y el artista se tensiona, como los
dos soldados, pero desde la tranquilidad que también ellos deben tener en cada
enfrentamiento. Ninguna exageración; vacío de sensación fuerte. Se inicia el
grupo central de acontecimientos y el músico los empuja con dos minutos
magníficos. Todo buen seguidor del cine tendría que sentir inquietud por, al
menos, conocerlos; cualquier principiante en composición cinematográfica
debería estudiarlos. Horner traslada la tensión dramática hacia el
sentimentalismo, nunca hacia el horror de la guerra. Versiona el tema
principal, incluso unos segundos, los iniciales, nos los presenta únicamente
con la base de cuerdas de ese tema, sin los instrumentos solistas, y por último
introduce unas notas de inquietud (que recuerdan gratamente a su ‘’Aliens’’)
que nos llevan directamente a la lucha dual.
Esta
parte principal de la obra mantiene encomiablemente el necesario equilibrio
descriptivo del enfrentamiento de los francotiradores y, al tiempo, nos
transmite con ánimo un paso adelante del compositor, refiriéndose a la historia
de amor. Así llega al final y en él se adentra espectacularmente mediante un
enlace ejemplar, iniciado con la pieza más bella del tema de amor y el éxtasis
guerrero final, todo sutilmente, sin ninguna parafernalia que pudiera estropear
el paso del romanticismo al horror. Y este paso, sin duda, se produce: quietud,
tranquilidad e inteligencia. No es fácil. Ya en el desenlace (dividido
inteligentemente en dos partes y dejando la lucha dual de los dos hombres para
el final), los coros vuelven, reflejo de la muchedumbre que escapa. Horner
dibuja la conclusión. Llega a ella con un nivel narrativo y dramático altísimo
y su tema principal, pausadamente violento, eleva la conclusión a un nivel
sentimental que sólo la música puede conseguir.
Concluyendo,
una obra notable del recientemente fallecido compositor americano que, sin ser
de las mejores, sí engloba todas las virtudes, indudables, del genial artista.
ESCÚCHALA SI...: todavía no has descubierto al tristemente fallecido compositor y sentirás la magia que siempre han tenido sus notas.
NO LA ESCUCHES SI...: subestimas las partituras más centradas en la calidad artística global y narrativa que en la audición más fácil y comercial.
RECOMENDACIÓN END TITLES: sin duda.
OTRAS OBRAS DEL AUTOR: ''El último lobo''. ''Southpaw''.
Conocida saga extraterrestre y de ciencia-ficción en la que la música, en sus entregas iniciales, sufrió un importante vaivén por parte de sus directores, curiosamente en las partes más importantes y de calidad de toda la saga. Fuerte seña de identidad fijada por Jerry Goldsmith en la original que, sin duda, fue la obra globalmente más completa y destacable. La segunda entrega, más activa, no desmereció y la tercera y la cuarta, con pésimas producciones cinematográficas a sus espaldas, cumplían a la perfección como obras inquietas y oscuras, únicas referencias de la tercera y cuarta entrega.
ALIEN: EL OCTAVO PASAJERO (1979).
JERRY GOLDSMITH.
PUNTUACIÓN DE LA MÚSICA(ORIGINAL Y RECHAZADA) EN EL FILME: 6
PUNTUACIÓN DE LA MÚSICA ORIGINAL COMPLETA DEL AUTOR: 9
Existen
casos, en la historia del cine, en los que decisiones de última hora por parte
de los directores benefician a sus obras y otros, irremediablemente,
perjudican. En el ámbito de la música de cine encontramos dos acontecimientos
excepcionales en creaciones de máximo nivel artístico. En la exquisita ‘’2001:
una odisea en el espacio’’, Stanley Kubrick acertó a la hora de girar el
sentido de su historia y desechar la partitura del genial Alex North,
aventurera y poco profunda. En el caso de Ridley Scott para ‘’Alien, el octavo
pasajero’’, resulta al contrario. El filme mantiene una atmósfera impactante,
tensa y lóbrega. Sin duda, conociendo la composición del genio californiano, su
completa adhesión a las imágenes habría alzado, aún más si cabe, esta creación mítica hasta niveles
desconocidos. Una lástima que el director optase por rechazar parte de la
partitura de Goldsmith y emplear motivos de otras bandas sonoras suyas
anteriores (‘’Freud’’, de John Huston) y alguna pieza clásica. Apuntada dicha
contrariedad, vayamos con el estudio.
El
artista planta su sello desde el comienzo. La sutileza con que va a tratar la
obra es tal que nadie diría se tratara de un filme de terror. Su pragmatismo
parcial es extraordinario, llevándonos (al parar el análisis en algo más que lo
que vemos) hacia mundos más especiales, inquietos y atractivos que un simple
espanto. Los títulos iniciales, sencillos y pausados, son un ejemplo a seguir
por cualquier artista que se acerque a la creación cinematográfica. Los
posteriores minutos, a modo de introducción (en los que el autor está presente
con su obra original), igualmente relevantes y mostrando, ya de antemano y
directo, el carácter autoritario de la venidera criatura extraña a modo de paseo
por la nave, como presente en todo lo que vemos mediante el alma etérea de la
música del compositor. Medido, calmado y horrorosamente agobiante. Su función
es descriptiva, pero llega más allá: invoca voluntariamente la extraña realidad
del alienígena y mantiene, con la llegada de la expedición a la zona investigada,
unos tonos (mediante las cuerdas) cercanos al mejor Ligety de ‘’2001’’, no
obstante con un matiz propio y los golpes de arco sobre la cuerda del
instrumento como patrón especial de su composición que, a los pocos minutos,
consuman su significado en una escena sublime, tanto en imagen como en
partitura, un momento espeluznantemente descrito por Goldsmith: los golpes de
arco (siempre aderezados mediante un ‘’delay’’ electrónico) pasan ahora a
fomentar un ritmo mucho más lento que antes, reflejo de la forma extraterrestre
que acaban de descubrir los expedicionarios, un cuerpo terrible y gigante,
también como lo son los intentos (soberbios) del músico por darle forma
mediante su composición. Plausible pero, al tiempo, difícil para el oído
cómodo; atractivo para el inquieto y ejemplo de cómo el compositor moldea a su
gusto la forma pétrea del monstruo. Vamos concienciando a nuestra atención de
cómo el autor, hábilmente, ha sobrepasado los clichés de su época en cuanto al
sinfonismo en las películas de ciencia ficción (‘’Star wars’’) y arriesga su
forma y estructura hacia mundos más enigmáticos y experimentales, también
reflejo del ambiente y lugares fríos, oscuros y siniestros en los que se mueven
los protagonistas.
Trailer de la película.
La
supuesta muerte del alien descubierto, ya en la nave, y su posterior vuelta a
la vida parecen marcar un punto de inflexión en la trama. Así es: la inquietud
toma un sendero distinto y se convierte en preocupación y miedo. Goldsmith
suena y dota a la aventura de una personalidad fuerte y fija, dejando para
‘’ocasiones musicales’’ más llevaderas la partitura no original o, tal vez,
siendo esas secuencias pasajeras de tal insustancial calibre descritas por
carecer, precisamente, de base melódica o atonal fijada para tal menester por
el compositor. La partitura atonal por un lado y los motivos melódicos,
sencillos y directos, por otro, son la dualidad en la que el músico fundamenta
los cimientos potentes de su creación y así mantenerse en una línea similar y
equilibrada durante toda la historia (el tiempo que le permiten), introduciendo
a partir de ahora los fragmentos más trepidantes, coincidiendo con el giro de
la aventura (pese a todo, no sonando todos ellos de forma completa ni, de la
misma forma, todos los que compuso, con lo que nos percatamos fácilmente,
escuchando su parte rechazada, el camino correcto que el compositor optó por
seguir, contrario al gran fallo del director).
Nos encontramos en un instante crucial: avanza y crece la tensión al
tiempo que la historia y el desarrollo
de los personajes, por encima de todos el monstruo y la suboficial Ripley
(Sigourney Weaver); no lo hace la partitura. Gran traba al conjunto global del
argumento, tal vez poco perceptible desde el visionado tranquilo del filme
pero, sin duda, presente. Goldsmith se ve trabado por la decisión final del
montaje y demuestra, una vez más, cómo la música puede llegar a ser un
fundamento crucial en el guión de una película y estar, absolutamente, por
encima de muchos puntos en principio más importantes. Varias de las piezas no
originales son la causa de este tropiezo marcado. Sigamos.
Banda sonora.
El
tema principal de la obra fija el final. Astutamente (como no debía ser de otra
manera), el director opta por dar la presencia más definida de Goldsmith
mediante el uso de los pequeños fragmentos melódicos, más identificables, y así
‘’pegar’’ la atención última de los espectadores (inteligente guiño de su parte
pero, absolutamente, una pésima trampa musical, perceptible y grave a oídos del
más inquieto y tenaz estudioso de la partitura). Las secuencias activas
aparecen marcadas sutilmente por pequeños fragmentos, como ya hemos indicado,
o, bien, por la obra no original o el silencio (acertada postura ésta). En
definitiva, una mezcolanza algo extraña en el resultado final y que, si bien es
concluida mediante unos créditos finales que no desajustan en gran medida una
línea aparente (Sinfonía nº 2, ‘’The romantic’’, de Haward Hanson), sí
manifiestan (conociendo los compuestos por el autor) ese lado débil en el que
el director ha optado por introducir la música.
En
definitiva, obra mayúscula del artista, sin duda referente en el ámbito del
terror y la ciencia-ficción, y error inadmisible del director en la elección y
organización de la música para su película, que le supone un inconveniente de
estructura muy importante.
ALIENS: EL REGRESO (1986).
JAMES HORNER.
9 sobre 10
‘’Misión
a Júpiter’’. El inicio de la encomienda nos presenta un nuevo y crucial
personaje: el ordenador de la serie 9000 Hal, descrito inteligentemente por
Kubrick al aplicar en pantalla el adagio de la ‘’Gayane ballet suite’’, del
compositor soviético de origen armenio Aram Khachaturiam, una estupenda pieza
de gamas tranquilas y ligeramente enigmáticas, como va a resultar la evolución
de la máquina en la historia. Magnífico inicio de esta parte para nada asociado
con el ambiente tranquilo y pausado de la expedición espacial y sí, como se
indica, con el ordenador Hal.
No,
hablo de Aliens, el estudio de 2001 queda en otro lugar, mas resulta
inquietante la relación entre la pieza clásica de Khachaturiam asociada a Hal y
los fragmentos pausados de la partitura de Horner para el inicio de ‘’Aliens:
el regreso’’, directamente inyectados en el monstruo (sus notas, estructuras y
capas son muy similares). En 2001, la pieza musical aludía al carácter
desconocido y misterioso de la máquina, el único personaje sentimental (humano)
de la expedición; el monstruo, igualmente indescifrable, ahora toma matices
también humanos, siendo él la inteligencia escurridiza y violenta que actúa
(simulando el comportamiento del hombre en la ostentosa forma de evolución
social). ¿Casualidad, plagio, homenaje o intención directa de director y
compositor? Cada uno que juzgue por sí mismo pero, no hay duda, la relación
planteada es interesantísima.
Un
joven James Horner (que triunfaría años más tarde también junto a Cameron y de
forma arrolladora; ‘’Titanic’’, ‘’Avatar’’), tomando como base la referencia a
2001 mencionada y los matices percusivos de Jerry Goldsmith para la primera
entrega de la saga, inicia una partitura que toma primer plano ya en el inicio:
deja muy claro el camino a seguir, asfixiante, potente y fortísimo. Un ligero
ladeo respecto al ambiente experimental y etéreo de la primera película empieza
a mostrarse y ejemplo de ello es la secuencia inicial del sueño de Ripley.
Extraordinaria narración, breve y espantosa. A partir de aquí, el primer cuarto
de cinta transcurrirá pausado entre sonoridades atmosféricas y los redobles de
caja, muestra de que, esta vez, la batalla se plantea desde el inicio (y desde
la vertiente voluntaria del hombre hacia el bicho). Sin duda, la historia
fluctúa ostensiblemente y alcanza inquietudes fuertes en las breves imágenes
especiales, que nos hacen ver realmente dónde se sitúa la acción (los devenires
mundanos del equipo de soldados resulta, por momento, pesadísimo y trivial y
aleja, apartado este voluntario por parte de Cameron, a esta entrega de la
perfección completa y seriedad de la primera).
Trailer de la película.
Horner
ha permanecido la mitad de historia agazapado, tímido, como el monstruo. El
final de la primera parte es un ‘’saltito’’ más del compositor como viva imagen
en forma de notas del cuerpo extraño y extraterrestre que aguarda oculto: los
golpes sintetizados de los arcos sobre las cuerdas, como usó Goldsmith, reflejan
el brinco del ente sobre las mentes de los marines, para quedarse ya pegado a
ellos. La inspección que efectúan de los restos de la colonia es intensísima y
dramática, sin alardes, sin provocaciones, con el simple uso del efecto sonoro
que decimos. Una forma inteligente de esperar el ataque próximo. Horner narra
la historia con un simple sonido.
El
final de la primera parte, pausada y sin sobresaltos, es una delicia de
narración musical, pocas veces vista en pantalla en una película del género.
Horner une tres conceptos de personaje-música básicos, los tres continuados en
una línea única magistral: primero, la locura del teniente Gorman, sin saber
dar solución a la masacre de sus hombres (mediante el chirriar progresivo de
las cuerdas, que no denotan terror sino el bloqueo mental del militar). Segundo,
la actitud de Ripley, tomando las riendas del problema (el ritmo y la orquesta
aparecen por primera vez con una postura cercana al misterio). Tercero, el
terror acude a la batuta del compositor en su plenitud máxima. La secuencia de
acción es contada magistralmente. La partitura refleja ya la aparición primera
del monstruo y la adrenalina absoluta termina por explotar. Empieza el horror,
más allá de cualquier otra intención (que sí había en ‘’Alien: el octavo
pasajero’’).
El
crecimiento inteligente de la obra de James Horner para la segunda entrega de
la saga ‘’Alien’’ es ejemplar. Lo estamos viendo. Su concepto del ‘’animal’’ y
de la historia (junto al director) es distinto al anterior de Goldsmith y
Scott. Las secuencias son más directas y la composición se acerca a la
brutalidad (no exenta de intención y cierta anterior sutilidad). El poco tiempo
que el músico tuvo para la composición y grabación hace pensar si tal vez,
alargando más los plazos, no hubiéramos encontrado en pantalla una obra de arte
pocas veces conseguida. El resultado final, que trajo consigo la enemistad de
director y compositor, se acerca mucho.
Existe
una gran diferencia entre la primera y la segunda entrega de ‘’Alien’’. Ahora,
en ‘’El regreso’’, las intenciones van por otros senderos, bien diferentes a la
continua presencia del alien durante cualquier instante de la primera de las
producciones. La música también se ve afectada por esto. Si bien Goldsmith
fluctuaba entre la inquietud, el horror y la intriga (usando siempre los medios
tiempos), ahora Horner imprime un estilo más variado y una partitura múltiple.
La presencia del maléfico ser, como ente, ya no existe; ahora lo hace como
monstruo horrible y su forma, ya definida y su número, múltiple, son elementos
que le dan un aspecto más directo y menos ‘’intelectual’’ que en ‘’Alien: el
octavo pasajero’’. Horner, durante esta segunda parte, siguiendo lo comentado,
aparece en contadas ocasiones, únicamente cuando los aliens entran en escena y
el peligro es evidente.
Gráficamente,
el final es espectacular. La secuencia última de Ripley y la niña descubriendo
el nido de huevos de la Madre Alien inyecta al espectador-oyente una cantidad
de violencia absoluta… ¡sin necesidad de ningún tipo de acción! Asombroso
colofón. La orientación activa y directa de toda la película cambia
drásticamente en esta secuencia, en su inicio. Horner delinea los perfiles
plásticos y brutales del monstruo por excelencia de una manera delicadísima,
poderosa. A cualquier amante del estudio artístico, tras los golpes frenéticos
de la orquesta durante las matanzas, sólo le produce inquietud y éxtasis
intelectual la escena que presenciamos. La respiración de la bestia toma forma
de nota cual graves de las cuerdas entonando altivamente la llegada de la
muerte. El compositor acudió a los matices más etéreos (señal de identidad de
la primera entrega) durante escasos minutos, anteriores a la primera aparición
de los monstruos. Ahora vuelve a retomar esa olvidada estructura para cerrar
una partitura que, sólo con su final, es ejemplar, violentamente prudente y
exquisita. Aquí concluye la obra. El frenético cierre no es más que una nueva
demostración del autor de su excelente capacidad narrativa.
En
conclusión, una obra que toma orientaciones distintas a las de la primera
entrega, con una narración portentosa de los instantes de acción, gran
orquestación y fuerza y un matiz trascendental que, si bien aparece poquísimo,
cierra de forma envidiable la creación. Gran trabajo.
ALIEN 3 (1992).
ELLIOT GOLDENTHAL.
7 sobre 10
Los primeros
veinte minutos de la partitura de Goldenthal para Alien 3 pululan alrededor de
un argumento que quiere pero no puede. Su solidez es poco estable y peca de
mantener un tono similar al de la aventura. Deambula por lo descriptivo, lo
inquietante y lo atmosférico. Tras los minutos comentados, el artista da un salto
y aparece. Sus notas, su tono y su ambiente son propios: sin duda, es Goldenthal.
Elliot
Goldenthal ha caminado por los senderos de la música de cine a modo de
resistencia aeróbica, pausado, tranquilo y sin prisas; pero firme y
atractivísimo. Eso sí, lo último nunca para los oídos cómodos y comerciales.
Así se muestra en ‘’Alien 3’’. Llegamos a la media hora de metraje, primer
cuarto, y el compositor se ha dedicado a reflejar el ambiente de la cárcel,
claustrofóbico pero al tiempo romántico, idealista y cercano a la religión (que
profesan los reclusos). Goldenthal camina entre los ambientes sintetizados y la
historia de ‘’amor’’ que va fraguándose entre el médico y Ripley. El monstruo
aún no ha aparecido. Veamos…
Trailer de la película.
La primera
hora, por fin, termina. La desazón que produce el argumento ridículo (escenas
infantiles y diálogos desechables) es absolutamente devastadora. La partitura
parece contagiarse pero, afortunados todos, vuelve a despegar y mantiene su
aire, esta vez (en la tercera entrega) basando su estructura en el ambiente
genérico que brota de la aventura y no, como en sus antecesoras, en el
monstruo. Goldenthal se limita a crear un instante de terror cuando el bicho
aparece en escena. A partir de la secuencia en la que Ripley descubre en su
interior ‘’el peligro’’, el interés despierta. La escena es sutilmente apoyada
por el artista, sus pads interminables sitúan por detrás de todo su intención y
consiguen dibujar ese pequeño entusiasmo terrorífico que la historia necesita.
Se precisa de
la escucha aislada para comprender el significado y alcance de la partitura. El
final de la historia rompe con todo, con su cuerpo, con la trascendencia de su
sonido e incluso la función. Goldenthal es sobrepasado por el horroroso
espectáculo que presenciamos. Ni si quiera deberíamos tomar en consideración la
función religiosa que muchos han querido dar a la música del artista (y que,
antes mencionada, parece ser presencia lógica en pantalla). Goldenthal siempre
lo es: místico. La imagen de unos torpes presos acogidos a la ley de la
creencia es tan baja, tan insignificante y tan esperpénticas sus palabras o
sentencias que poco o nada tienen que ver con una orientación divina. En
definitiva, una partitura notable únicamente en su sentido puramente musical.
Su aplicación en pantalla es tan floja, por culpa de la pésima película, que
nunca el compositor debiera haber aceptado el trabajo. Recomendable de forma
aislada; desechable en pantalla.
Banda sonora.
ALIEN RESURRECTION (1997).
JOHN FRIZZELL.
7.5 sobre 10
El
comienzo de firmeza sonora de la cuarta entrega de la saga ‘’Alien’’ no puede
chocar más de frente contra un muro de formaciones ridículas y rechazables. Es
evidente la limitación a la que el artista se ve sometido, tanto por el
contenido de la cinta y su argumento (acompañado de secuencias vacías) como por
el deseo del director por dar a su historia un aire ‘’alien’’ mediante el
empleo de sonidos, notas y referencias a scores de las otras entregas y, en
especial, de la primera (usando uno de los temas principales) y la tercera.
Incluso la secuencia en la que el productor se atreve a introducir una pieza de
música clásica resulta caótica y de falta de sentido absoluto. La partitura,
sin duda, va a quedar apartada en un rincón, fuera de todo y todos, aunque
quizá sea el rincón de lo salvable. Veamos.
Llegando
la mitad de la aventura, Frizzell ha tomado, más que nunca en cualquier entrega
de la saga, el mando de todo. La baja calidad de la producción facilita la
tremenda posición, en primer plano, de la composición, llevando ahora la
orientación hacia el sentido del terror puro, cuando ya los aliens son bien
conocidos, trabajados y estudiados, para nada una incógnita en la vida de las
personas que los tratan. La orquestación notable del compositor, siempre
clásica, le da un aire de majestuosidad importante. Junto con la presencia de
los bichos en pantalla es, sin duda, lo mejor de la película.
La
parte central del metraje no deja de ser una presencia más de la partitura y,
ya esta vez, con demasiadas estructuras repetidas basadas en líneas de
composición narrativas que delinean de forma positiva los sucesos. Ligeras
variaciones que inquietan, atraen y llegan a gustar. La escena en la que los
expedicionarios huyen de los aliens, bajo las aguas, es reseñable. Frizzell
compuso la escena hasta tres veces, desechada siempre por Jean-Pierre Jeunet,
el director, sin explicación ninguna. El artista regresaba a su estudio y, de
forma encomiable, preparaba otra pieza durante esa misma semana que, de nuevo,
Jeunet repudiaba. Finalmente, con la tercera de ellas, el director
(sorprendentemente) optó por una mezcla de gran minutaje de la primera y algo
de la tercera. Curioso.
La
conclusión eleva muchísimo el nivel narrativo y compositivo global. La
secuencia directa y potente del parto de la Reina alien resulta exquisita.
Frizzell contiene su fuerza y la transforma en amenaza. Los créditos finales:
potentes y elevados. Un final, sin duda, que impulsa a la partitura un poco más
arriba de lo hasta ahora presentado y una obra global que no se queda
considerablemente por detrás del resto de la saga sino que, de forma trabajada
y progresiva, logra un nivel importante muy por encima de la historia que se
nos ha contado. Línea estilística proyección de la inmediata anterior de Elliot
Goldenthal. Interesante.
Póstuma obra del grandísimo compositor americano. James Horner nos dejaba de forma sorprendente, un autor aclamado y criticado, siempre en la cima del cine y fabricante de obras maestras. La presente maneja los estados de ánimo de manera precisa, directa y se mueve por los senderos del intimismo que Horner siempre supo acariciar. Podríamos acercarla a los estilos de la época de su infravalorada, pero exquisita, ''Casa de arena y niebla''.
''Southpaw'' inicia su andadura musical en un intimismo pausado, nada melódico, electrónico e inquietante. Su función es literalmente de apoyo. Es a mitad de cinta cuando el autor nos brindará un producto maravilloso que va creciendo de manera inteligente hasta insertarse en la misma acción. El tema principal que brota de pronto, repentino pero suave, místico y elegante es un canto a la belleza que el genio de ''Leyends of the fall'' nos deja tras su muerte. Nada complejo pero de una hermosura sencilla ejemplar. De sus mejores motivos en los últimos años.
En definitiva, una gran obra, meritoria y algo experimental que, con seguridad, habría sido el inicio de un nuevo James Horner, más cercano a las tecnologías de última generación que, hoy en día, tanto destrozan otros músicos. Seguro que él, pacientemente, habría estudiado ese mundo con éxito. De lo mejor del autor dentro de sus últimas creaciones.
ESCÚCHALA SI...: eras un fiel admirador del artista y siempre admiraste su intimismo.
NO LA ESCUCHES SI...: tras su muerte, no hay ningún motivo para desecharla.
‘’Misión
a Júpiter’’. El inicio de la encomienda nos presenta un nuevo y crucial
personaje: el ordenador de la serie 9000 Hal, descrito inteligentemente por
Kubrick al aplicar en pantalla el adagio de la ‘’Gayane ballet suite’’, del
compositor soviético de origen armenio Aram Khachaturiam, una estupenda pieza
de gamas tranquilas y ligeramente enigmáticas, como va a resultar la evolución
de la máquina en la historia. Magnífico inicio de esta parte para nada asociado
con el ambiente tranquilo y pausado de la expedición espacial y sí, como se
indica, con el ordenador Hal.
No,
hablo de Aliens, el estudio de 2001 queda en otro lugar, mas resulta
inquietante la relación entre la pieza clásica de Khachaturiam asociada a Hal y
los fragmentos pausados de la partitura de Horner para el inicio de ‘’Aliens:
el regreso’’, directamente inyectados en el monstruo (sus notas, estructuras y
capas son muy similares). En 2001, la pieza musical aludía al carácter
desconocido y misterioso de la máquina, el único personaje sentimental (humano)
de la expedición; el monstruo, igualmente indescifrable, ahora toma matices
también humanos, siendo él la inteligencia escurridiza y violenta que actúa
(simulando el comportamiento del hombre en la ostentosa forma de evolución
social). ¿Casualidad, plagio, homenaje o intención directa de director y
compositor? Cada uno que juzgue por sí mismo pero, no hay duda, la relación
planteada es interesantísima.
Un
joven James Horner (que triunfaría años más tarde también junto a Cameron y de
forma arrolladora; ‘’Titanic’’, ‘’Avatar’’), tomando como base la referencia a
2001 mencionada y los matices percusivos de Jerry Goldsmith para la primera
entrega de la saga, inicia una partitura que toma primer plano ya en el inicio:
deja muy claro el camino a seguir, asfixiante, potente y fortísimo. Un ligero
ladeo respecto al ambiente experimental y etéreo de la primera película empieza
a mostrarse y ejemplo de ello es la secuencia inicial del sueño de Ripley.
Extraordinaria narración, breve y espantosa. A partir de aquí, el primer cuarto
de cinta transcurrirá pausado entre sonoridades atmosféricas y los redobles de
caja, muestra de que, esta vez, la batalla se plantea desde el inicio (y desde
la vertiente voluntaria del hombre hacia el bicho). Sin duda, la historia
fluctúa ostensiblemente y alcanza inquietudes fuertes en las breves imágenes
especiales, que nos hacen ver realmente dónde se sitúa la acción (los devenires
mundanos del equipo de soldados resulta, por momento, pesadísimo y trivial y
aleja, apartado este voluntario por parte de Cameron, a esta entrega de la
perfección completa y seriedad de la primera).
Horner
ha permanecido la mitad de historia agazapado, tímido, como el monstruo. El
final de la primera parte es un ‘’saltito’’ más del compositor como viva imagen
en forma de notas del cuerpo extraño y extraterrestre que aguarda oculto: los
golpes sintetizados de los arcos sobre las cuerdas, como usó Goldsmith, reflejan
el brinco del ente sobre las mentes de los marines, para quedarse ya pegado a
ellos. La inspección que efectúan de los restos de la colonia es intensísima y
dramática, sin alardes, sin provocaciones, con el simple uso del efecto sonoro
que decimos. Una forma inteligente de esperar el ataque próximo. Horner narra
la historia con un simple sonido.
El
final de la primera parte, pausada y sin sobresaltos, es una delicia de
narración musical, pocas veces vista en pantalla en una película del género.
Horner une tres conceptos de personaje-música básicos, los tres continuados en
una línea única magistral: primero, la locura del teniente Gorman, sin saber
dar solución a la masacre de sus hombres (mediante el chirriar progresivo de
las cuerdas, que no denotan terror sino el bloqueo mental del militar). Segundo,
la actitud de Ripley, tomando las riendas del problema (el ritmo y la orquesta
aparecen por primera vez con una postura cercana al misterio). Tercero, el
terror acude a la batuta del compositor en su plenitud máxima. La secuencia de
acción es contada magistralmente. La partitura refleja ya la aparición primera
del monstruo y la adrenalina absoluta termina por explotar. Empieza el horror,
más allá de cualquier otra intención (que sí había en ‘’Alien: el octavo
pasajero’’).
El
crecimiento inteligente de la obra de James Horner para la segunda entrega de
la saga ‘’Alien’’ es ejemplar. Lo estamos viendo. Su concepto del ‘’animal’’ y
de la historia (junto al director) es distinto al anterior de Goldsmith y
Scott. Las secuencias son más directas y la composición se acerca a la
brutalidad (no exenta de intención y cierta anterior sutilidad). El poco tiempo
que el músico tuvo para la composición y grabación hace pensar si tal vez,
alargando más los plazos, no hubiéramos encontrado en pantalla una obra de arte
pocas veces conseguida. El resultado final, que trajo consigo la enemistad de
director y compositor, se acerca mucho.
Existe
una gran diferencia entre la primera y la segunda entrega de ‘’Alien’’. Ahora,
en ‘’El regreso’’, las intenciones van por otros senderos, bien diferentes a la
continua presencia del alien durante cualquier instante de la primera de las
producciones. La música también se ve afectada por esto. Si bien Goldsmith
fluctuaba entre la inquietud, el horror y la intriga (usando siempre los medios
tiempos), ahora Horner imprime un estilo más variado y una partitura múltiple.
La presencia del maléfico ser, como ente, ya no existe; ahora lo hace como
monstruo horrible y su forma, ya definida y su número, múltiple, son elementos
que le dan un aspecto más directo y menos ‘’intelectual’’ que en ‘’Alien: el
octavo pasajero’’. Horner, durante esta segunda parte, siguiendo lo comentado,
aparece en contadas ocasiones, únicamente cuando los aliens entran en escena y
el peligro es evidente.
Gráficamente,
el final es espectacular. La secuencia última de Ripley y la niña descubriendo
el nido de huevos de la Madre Alien inyecta al espectador-oyente una cantidad
de violencia absoluta… ¡sin necesidad de ningún tipo de acción! Asombroso
colofón. La orientación activa y directa de toda la película cambia
drásticamente en esta secuencia, en su inicio. Horner delinea los perfiles
plásticos y brutales del monstruo por excelencia de una manera delicadísima,
poderosa. A cualquier amante del estudio artístico, tras los golpes frenéticos
de la orquesta durante las matanzas, sólo le produce inquietud y éxtasis
intelectual la escena que presenciamos. La respiración de la bestia toma forma
de nota cual graves de las cuerdas entonando altivamente la llegada de la
muerte. El compositor acudió a los matices más etéreos (señal de identidad de
la primera entrega) durante escasos minutos, anteriores a la primera aparición
de los monstruos. Ahora vuelve a retomar esa olvidada estructura para cerrar
una partitura que, sólo con su final, es ejemplar, violentamente prudente y
exquisita. Aquí concluye la obra. El frenético cierre no es más que una nueva
demostración del autor de su excelente capacidad narrativa.
En
conclusión, una obra que toma orientaciones distintas a las de la primera
entrega, con una narración portentosa de los instantes de acción, gran
orquestación y fuerza y un matiz trascendental que, si bien aparece poquísimo,
cierra de forma envidiable la creación. Gran trabajo.
ESCÚCHALA SI...: no quieres perderte una claustrofóbica composición, ya mítica en la música de terror y una gran colaboración compositor-director.
NO LA ESCUCHES SI...: crees complicada la escucha de partituras poco melódicas.
RECOMENDACIÓN END TITLES: sí.
OTRAS OBRAS DEL AUTOR: ''Casa de arena y niebla'', ''Iris''.
